[摘要]一幅风景油画的生命力取决于其构图、色彩、表现技巧等因素的高度和谐与完善。作品内涵的表现是指这些画面构成因素的具体而充分的发挥，以及画家内心真实情感的再现。风景油画写生创作有别于摄影，它在忠实于自然景象的同时，在作品中渗入画家自己的感受，将感兴趣的景色通过绘画语言表现出来。本文是对风景油画写生创作取景与内涵表现的具体感受和思考。
[关键词]风景油画写生;创作取景;内涵表现
[中图分类号]J213.1 [文献标识码]A [文章编号]1005-3115（2014）24-0054-02
一切观念形态的文艺作品都来自现实生活在人们头脑中的反映，作为风景油画写生，也不例外。风景油画写生是一项绘画技巧难度较高的艺术实践活动，也是一个较复杂的艺术思维过程。风景油画写生是面对真实景物，从物象轮廓、色彩以至明暗等方面进行构思，尤其要注意光影的表现，景物的远近大小必须完全按照透视学原理去画。从某种意义上说，风景油画写生不仅仅是画画，更重要的是体验，酝酿心中的意境。为使画面构成和谐而具有美感，使地域特点和画家的情感合拍，“删繁就简”、“查漏补缺”是很好的取舍手段。色彩搭配是否对比显明、协调美观、情境合理，直接关乎作品的成败、优劣。
擅长黄土高原风情油画创作的艺术家崔国强说：“每一个笔触、一个色块、几根线条，都应具备其独特的审美价值，自然客观的物象变化，构成了无数变化的美的形式，只要善于发现、提炼和创新，我们的作品才会有持久的生命力。”
在风景油画写生过程中，如何在连绵不断的视野中截取最理想的部分，使之成为一幅画，以及怎样进行画面安排，面对丰富的场景，如何使写生的画面形象、生动、有趣，色彩丰实而统一，是摆在画家面前的首要问题。
风景油画写生创作有别于摄影，它忠实于自然景象的同时，在作品中渗入画家的感受，将感兴趣的景色通过绘画语言表现出来，也许是厚重的堆砌，也许是轻薄的铺设，也许是寥寥数笔，一幅美丽的风景就跃然画布之上。观者感受到的是不同的创作心态、不同的自然景观以及不同的理解角度，留有丰富的想象空间。因此，除了具有一双不断发现美的眼睛，善于从自然景物中提取到最原本的美的构成外，还要达到心灵与自然的交融，才能成就一幅作品。写生创作潜移默化地渗透了画家个人的成长背景、学识修养、个人气质、绘画经验和创新意识。对一幅画所表达的内涵而言，这一点至关重要。
风景油画写生创作过程中的绘画标准是不固定的，会因个人的理念、时代、民族、季节、景物的不同而存在较大差异。也就是说，在进行风景油画写生创作时，必须要有清晰的创作理念——走进自然，却要打破常规，也就是我们经常所说的要具有创新意识。例如文艺复兴时期著名画家达芬奇，以肖像画闻名于世。当时的肖像画流行正面或侧面，并以之为标准，然而达芬奇却取3/4面来构图，这就是他理想的构图理念。而事实证明，他的方法在那个时代是一种打破常规的创新，正是这种创新使得他流芳百世。社会发展到今天，肖像画的构图并不局限于正面、侧面、3/4面，可谓“百花齐放”、“百家争鸣”，每种画派都有了自己的构图标准。
风景油画写生的取景构图也要具有创新精神和创新意识，画家要有打破常规的心智和勇气。在普通人眼里，完美的构图取景往往把什么都画得面面俱到、四平八稳，画面很完整，这在很多人眼里已经成为一种固定的模式。如果具有独特的视角，并通过绘画技巧充分地表现自己的思想，那么“普通人眼里完美的构图取景”会让你感到乏味和单调，因为看得太多了，1000张画却只有一种感觉，像不断复制、粘贴的毫无生机的相同的脸，不能引起你的任何冲动。所以说，构图取景时要避免这样一种现象：没有取舍地将房子、树木、人物、桥等因素一一罗列，这样的作品没有特色，缺乏视觉冲击力和感染力。
在天地间，大至日月星云、山川湖海，小到花鸟虫蚁、野草露珠，都可以作为创作对象，关键在于作者是否善于发现、善于观察。英国风景画家康斯素勃尔是一位充满激情的画家。他说：“在自然中你不可能找到两棵相同的树，在每一棵树上你也不可能找到两片相同的叶子。”从中我们可以看出，绘画大师是多么认真地观察和研究自然。
印象派画家对外光的观察和研究，开拓了新的领域，使美术史载入一段灿烂辉煌的历史。印象派画家走出画室，到户外去工作，在景物和人物面前作画。在户外作画对艺术家提出了新的要求，使得画家不得不重视色彩的作用。相比之下，图形沦为一张草图，或者是寥寥几笔勾画而已，而最重要的工作则集中在画家的观察能力和随后调出适宜色调的能力。如西斯莱的《塞纳河小景》，把很平凡的岸边、树木、流水、游人加之于光感处理，使得画面微妙和谐。再如莫奈的《阿根德尔桥》，画中的桥只是画了桥头的一段，并置于画面右上角，而空出一片空间用于对河水及帆船的描绘，帆船又有一部分在画面之外，给人以强烈的空间和视觉变化。这幅画的取景与构图印证了写生创作必须具备“走进自然，打破常规”的创作理念。
前文已经提到：写生创作除了技巧，还渗透了画家个人主观意识的东西，即忠实于自我主观感受，充分表达自己的真情实感，这些因素沉淀在一幅作品中，深刻体现作品的内涵和灵魂。如梵高的《梵高的卧室》，以生活中看似简单平凡的小角度为对象，把床、地板、墙等关系表现得淋漓尽致，通过色彩的变化，描绘了一幅画家温暖而孤寂的家，从中可以看到画家柔情似水的一面，给人留下独特而深刻的印象。
石鲁曾经说过：“风景中有人，这人就是画家他自己。” 说到这里，我们再来欣赏一下梵高的另外一幅作品《梧桐树群》。关于《梧桐树群》，梵高在1889年12月给他弟弟的信中写道：“我最近的一次写生是关于村庄的风景，在那里，修路工人和村民每天都在巨大的梧桐树下辛苦地工作着。”他试图用画笔捕捉渐黄的叶子，却因为贫困没有合适的油画布，只能在一小块印有菱形图案的亚麻布上作画。至今，透过画面的某些部位，这些图案依稀可见。但这并不影响画家的创作激情，其笔法自然流露，伴之强烈的色彩和夸张的形式，使画面充满了紧张的活力。在取景构图上，梵高是这样处理的：油画上面树冠组成了一个黄色的华盖，投下一片明亮的影子——梵高将这种黄色和永恒联系在一起，我们不知道画面中那些偶然经过的小人儿是谁，也不知道巨大的梧桐树后隐藏着什么秘密，我们探究这幅画的兴趣，除了源于梵高对每一块颜料、每一笔线条中赋予了强烈的张力和恒久的色彩外，还有他隐藏在画布下面，内心里最终也无法实现的济世理想，这正是这幅画的灵魂所在。
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